Osama Film

Osama o la desesperanza.

Si eres chica y atraviesas un arco iris te convertirás en chico.

Si eres chico y atraviesas un arco iris te convertirás en chica.

Osama es el nombre de una niña-niño a la fuerza y de una película multinacional rodada en Afganistán. Basada en una historia real, no deja de ser una historia de desesperación, en ella se describe la situación de la mujer en un entorno dominado por los talibanes. ¿Como podría sobrevivir una familia formada por tres generaciones de mujeres: (abuela, madre e hija) sin ningún hombre y con la prohibición de trabajar a las mujeres? - pues convirtiendo a la niña en niño- mediante el empleo de una fábula en la que sería posible cambiar de sexo al atravesar un arco iris, lo cual al menos permite a la madre poder salir de su casa para buscar sustento acompañada ya que también estaba prohibido a las mujeres caminar sin varón por la calle. Pero, a pesar de la estrategia, la tragedia continúa pues “el niño” es reclutado junto con todos los niños disponibles para una escuela Coránica y el problema surge a la hora de los rituales y baños en comunidad donde queda descubierto el engaño.

Es auténticamente una situación de opresión insoportable la que se muestra en el relato, que comienza con la brutal represión a una manifestación pacifica de mujeres la única licencia a la diversión es la picardía y habilidad de estas mujeres para convertir, ante una inspección,  en un abrir y cerrar de ojos una fiesta de boda en el supuesto duelo por una madre muerta. Pero en la parte opuesta se encuentra la vida destrozada de esta niña que prácticamente acaba enterrada en vida como cuarta esposa de un abuelo al que sus tres esposas anteriores odian y del que el único regalo que recibe es elegir el candado que cerrará por fuera la puerta de su habitación.

Lo que se narra, evidentemente puede estar dramatizado pero viene a denunciar ante el mundo la situación límite que están sufriendo muchas mujeres en diversas partes del mundo en pleno siglo XXI. La explicación o justificación basada en el  respeto a las culturas no puede dar cabida a situaciones límite como estas, las situaciones de violaciones y abusos que vemos sufrir a las mujeres debieran despertar una fuerte llamada de atención internacional, que fuera algo más allá de celebrar un Dia Internacional de la Mujer  y si se está haciendo algo, lo que a menudo vemos en la prensa exigen que se haga mucho más.

Lo expuesto junto a la visión de la película (Está en You tube donde figura como “Niña coraje”) https://www.youtube.com/watch?v=QYWEuxqntgU debe hacernos reflexionar que si en realidad queremos, podemos hacer algo por cambiar las cosas aunque sólo sea con nuestra actitud.

En cuanto a otros datos del film:

Esta película obtuvo en 2004 el Globo de Oro a la mejor película extranjera y tiene una lista de mas de 14 premios internacionales y nominaciones desde Londres a Cannes pasando por Valladolid y Bratislava. Participaron en ella Afganistán, Holanda, Japón, Irlanda e Irán, está en persa pero subtitulada en español. Y las interpretaciones son geniales.

Pi - Darren Aronofsky U.S.A. 1998

PI

Director Darren Aronofsky

Estados Unidos 1998

PI no es simplemente una película, es la dramatización de unas evidencias, de unas creencias y de algo tan real que, dejando aparte las neuras del personaje protagonista, el resto podría resultar un documental o un interesante estudio de las propiedades que arrojan los números.

El nombre de la cinta: “Phi” se corresponde con el Phi de la constante matemática.

Darren Aronofsky debutó como director con esta cinta que algunas fuentes en su momento calificaron como experimental y otras como surrealista. De experimental quizás solo tenga la parte técnica, de surrealista tiene muy poco. Quizás cierto parecido de una escena en la que el protagonista a punto de volverse loco tiene una visión en la que, con una taladradora, pretende hacerse una trepanación y la escena de Un perro andaluz de Dalí y Buñuel en la que el ojo de la protagonista pretende cortarse con una cuchilla.

La trama es muy interesante ya que revela teorías, algunas de ellas ocultas y que oficial o aparentemente son secretas pero que se sabe que existen en la realidad. Da la sensación de que lo que Aronofsky revela es “casual” o debido a un guión. Pero la realidad confirma no solo la realidad que muestra en la película sino que puede existir mucho más. En la misma el protagonista explica la relación existente entre los números de Fibonacci y la Sección Áurea.

Max, un joven que vive prácticamente aislado pero rodeado de artefactos tecnológicos avanzados y alguna que otra hormiga, realiza predicciones de cotizaciones de bolsa en Wall St. Un día el ordenador se colapsa y arroja una cifra en principio sin sentido pero sólo en principio ya que al dividir los 216 números mostrados en la pantalla entre 10, resultó una predicción totalmente exacta. Max tiene la teoría de que todo en la naturaleza puede entenderse en términos de números, para ello su objetivo es encontrar un número clave que le abriría el conocimiento del patrón universal encontrado en la naturaleza. Está particularmente atraído por la forma de las espirales, y progresivamente se le van abriendo unos conocimientos ante los cuales su antiguo profesor le pide prudencia y que abandone por haber pasado previamente él por la misma situación. Le advierte que hay lineas que no deben traspasarse.

Por si fuera poca la paranoia que el protagonista tiene de por sí. “Casualmente” un día conoce a un judío hasídico que “casualmente” también realiza cálculos matemáticos pero vinculando los valores numéricos del alfabeto hebreo con la composición de la Torah tratando de descifrar un supuesto código místico sugerido por el mismo Dios existente en su redacción y ordenamiento, casualmente descubren que las secuencias de Fibonacci encajan parcialmente en la teoría y con la ayuda de un poderoso segundo chip consigue un segundo colapso del ordenador tras obtener un número tras el que la gente de Wall St. Supone se esconde el poder y la clave definitiva para manipular los mercados financieros y los judíos hasídicos suponen como la clave para instaurar la nueva era mesiánica ya que ese número representaría el nombre impronunciable de Dios según la Torah. El protagonista acude a casa de su maestro a contarle el descubrimiento, el cual ha muerto y entre sus cosas encuentra un papel en el que figura el mismo número, que Max ha conseguido. En ese momento sufre otra terrible crisis de dolores de cabeza y entiende que sus dolores están relacionados con las investigaciones por lo cual sigue el consejo de su maestro: destruye el número, pero el número no lo destruye a él, ya que, en paz y en un parque se le acerca su pequeña vecina con una calculadora para que le resuelva el resultado de 748 dividido por 238, cuyo resultado es una aproximación a PI, la película acaba con un plano de las ramas de un árbol cuyo número puede calcularse con la secuencia Fibonacci.

Esta pelicula es un ejercicio de inteligencia del que cada espectador debe sacar su propia conclusión, no obstante independiente de cual sea esa opinión, no cabe duda que estamos ante un juego de enigmas y ante un documento muy interesante disfrazado de espectáculo.

Todas las mañanas del mundo - Tous les matins du monde

La esencia de la tristeza convertida en música exquisita

Director Alain Corneau
País: Francia
Actores: Gèrard Depardieu, Jean-Pierre Marielle. Anne Brochet, Caroline Sihol, Guillaume Depardieu
Guión de Pascal Quignard
Banda Original del film interpretada por Jordi Savall, Monserrat Figueras
Ganadora de 7 premios César en Francia 1992 entre ellos:
Mejor película, Mejor Director. Mejor música escrita para película, Mejor fotografía, mejor vestuarío etc.
Seleccion oficial Oso de Oro de Berlín 1992
Nominada al Globo de Oro como mejor película extranjera


La trama de la película describe la soledad creativa del Señor de Santa Colombe, quien hace de la música su refugio y objeto de vida al morir su amada esposa. Soledad que comparte con sus dos hijas. La relación entre los tres se ciñe casi exclusivamente a la interpretación y búsqueda de la perfección a través de interpretaciones musicales ejecutadas con Viola da gamba. La vida de los personajes se ve alterada con la llegada de Marin Marais, un apasionado muchacho en búsqueda de instrucción, que posteriormente llegaría a maestro de música y gran compositor en la corte de Luis XIV.


Un factor importante de la película es el rechazo del Maestro Sainte Colombe a la fama y supuestas ventajas de la vida en la Corte que le ofrecen (casi le imponen) para llevar una vida de aislamiento investigación y estudio, pero la faceta predominante es el amor, la ausencia no superada, la tristeza y la melancolía que tienen su máxima expresión en las interpretaciones, resumidas en su frase.

“La música llega donde la palabra no es capaz”

todo ello reflejado en la siguiente selección de piezas que forma la banda sonora del filme magistralmente interpretada por Jordi Savall Monserrat Figueras y un escogido y virtuoso Ensemble

• Marche pour la cérémonie des turcs (Lully)

• Improvisation sur les folies d'Espagne (Marais)
• Prélude pour Mr. Vauquelin (Savall)
• Gavotte du tendre (Sainte Colombe)
• Une Jeune fillette (arr. Savall)
• Les Pleurs (Sainte Colombe)
• Concert à deux violes "le Retour" (Sainte Colombe)
• La Rêveuse (Marais)
• Trosième leçon de ténèbres à 2 voix (Couperin)
• L'Arabesque (Marais)
• Fantasie en mi mineur (anónimo del siglo XVII)
• Les Pleurs [Versión a dos violas] - (Sainte Colombe)
• Le Badinage (Marais)
• Tombeau pour Mr de Sainte Colombe (Marais)
• Muzettes I - II (Marais)
• Sonnerie de Ste Geneviève du Mont de Paris (Marais)

El Universo de Mélies

Esplendor, caida y redescubrimiento.

Mélies, más conocido por un fotograma que por toda una vida dedicada al espectáculo. El fotograma es el famoso cohete que deja tuerta a la Luna y se ha convertido en un icono de culto del cine de su época.
Mélies podría ser un ejemplo de trabajo y dedicación en lucha contra una fortuna adversa. Nacido en París en 1861 en el seno de una familia adinerada descubre durante un viaje a Londres el mundo de los magos y de la prestidigitación, tal es su entusiasmo que al heredar la cuantiosa fortuna familiar, se embarca en el mundo del espectáculo. Tas alquilar su teatro al mago Robert-Houdin, pone en escena pequeñas obras con complejos trucajes, lo que llamaríamos hoy “efectos especiales.”
Pero su aventura no se detiene ahí y pone los ojos en las llamadas “Linternas Mágicas” y a continuación en el rudimentario cinematógrafo de los hermanos Lumière que, por cierto, se niegan a venderle. Ante esto, él mismo encarga una cámara a un óptico inglés lo que le permite a su vuelta a París rodar varias cintas como Le Manoir du Diable, o Escamotage d´une dame chez Robert-Houdin, el público fascinado por el espectáculo, pedía más.
A fin de dar satisfacción al público, construye sin reparar en gastos un estudio de cine acristalado en la misma finca familiar; en él se produce su obra más popular Voyage dans la Lune, cuyo éxito fue tal que las copias ilegales (hoy piratas) alcanzaron tales proporciones que le obligó a abrir una sucursal o distribuidora en Nueva York.
En 1908, la productora de Mélies alcanza su máxima producción, llegando a las 50 películas y a partir de aquí comienza su declive. La competencia tanto europea como americana eclipsan su obra a pesar de su segundo gran éxito À la conquête du Pôle. Logra resistir hasta 1917, año en el que decide dejar el cine y volver al teatro sin ningún éxito, esto le obligó a vender la propiedad familiar y arruinado, desesperado y olvidado por el público, decide destruir todas las cintas.
Tras su fallida aventura teatral y cinematográfica y de su ruina económica, encuentra un modesto empleo como vendedor de juguetes en la estación Montparnasse de París donde un periodista le reconoció en 1926. Este encuentro casual deriva en un re- descubrimiento de su obra. Sólo 10 de sus obras pudieron recuperarse para la gala celebrada en 1929 en la Sala Pleyel.


Es una completa ironía que la obra de Mèlies sea mas valorada en el siglo XXI que en el XIX.Ahora, en la era de las 3D, de la tecnología y de los efectos por ordenador, una era en la que cualquier imagen que se nos ocurra puede sin problemas llevarse a la pantalla, es donde su obra alcanza plena valoración y reconocimiento.

La Exposición que hasta el 8 de Diciembre 2013 puede visitarse en el Caixaforum de Madrid, nos muestra en su esplendor el universo mágico de Mèlies, desde linternas mágicas, pasando por deliciosos dibujos, bocetos de sus obras, que en sí ya justifican la visita a la exposición, hasta el precursor, (que bien podría ser el abuelo) de Alien. empleado en el Viaje a la Luna, armarios de trucos, trajes y la continua proyección de su obra en diferentes pantallas. Se pueden ver desde la Coronación de Eduardo VIII en una obra precursora de lo que ahora se llama “documental”, un delicioso Gulliver en el país de Liliput, un viaje al fondo del mar que en su inocencia descubre su encanto y el famoso Viaje a la Luna donde no hay que perderse la famosa escena del cohete pero tampoco el ingenuo paso de la estrella fugaz o a la dama que “milagrosamente” se convierte en confetti del Escamotage d´une dame, entre otras muchas maravillas.

Persépolis

Persépolis (2007)


Dirigida por Vincent Paronnaud
Marjane Satrapi
Con las voces de
Chiara Mastroianni
Catherine Deneuve
Danielle Darrieux
Simon Abkarian


Premios y Nominaciones
2008 Nominada a los Oscar como mejor film animado del año
2009 Asociacion de la Crítica de Argentina, Condor de Plata
2009 Nominadas a los premios Bafta
2007 Premio del Jurado del Festival de Cannes
2008 Ganadora del César, Francia al mejor guión adaptado


Comentario:
Entre tanto premio y nominación uno teme pecar de discordante. Comencemos por el Título: “Persépolis”, se antoja bastante pretencioso titular un cómic con el nombre de la capital de un antiguo Imperio. Magno nombre para tan poca obra. planteada como un cómic, de cómica no tiene nada, ni posiblemente se pretenda eso sino todo lo contrario. Rodada en Negro y Blanco, por este orden, ya que predomina ese color y esa atmósfera a lo largo de todo el filme. Se recoge la autobiografía de la autora desde niña hasta su edad madura. El film, que arranca con el padecimiento de la población durante la guerra de Irak relata la historia y cambios en paralelo de la niña y del país hasta nuestros días pero con evoluciones muy dispares, la niña muestra un inconformismo contra todo y contra todos, no está satisfecha en su país, tiene la opción de ir a Viena y vivir sin ningún tipo de ataduras y así lo hace pero decide regresar a su país. Se casa pero se divorcia y su vida es un continuo devenir que sugiere un paso adelante y dos atrás. Evidentemente todo admite varias lecturas. Es un filme, repito negro y blanco, no admite grises. Puede gustar o no, pero a nadie dejará indiferente.

El Cielo Sobre Berlín - Der Himmel über Berlin (Wings of Desire) Wim Wenders

El Cielo Sobre Berlin
Titulo original Der Himmel über Berlin (Wings of Desire)
Director Wim Wenders
Alemania – 1987
Actores principales: Bruno Ganz, Peter Falk, Solveig Dommartin, Otto Sander

Coproducción Alemania del Oeste-Francia

puede verse actualmente en You Tube

Premios:

Mejor Director Festival de Cannes 1987

Gran Premio de la Asociación Belga de Criticos.

1988 Premios Cesar nominación a la mejor película extranjera

1988 Círculo de Críticos de Nueva York Premio a la mejor fotografía.

Comentario: El hombre fue creado insatisfecho, los ángeles, también.

Wim Wenders, Dusseldorf (1945) es autor entre otras muchas de Paris Texas y Buenavista Social Club. Nunca deja de sorprendernos. El Cielo Sobre Berlin es una Obra Maestra, con estas dos palabras sobra. No obstante existe la tentación de extenderse algo más. Si a uno le dicen que se imagine un ángel con coleta a lo Karl Lagerfeld y que escucha a Nick Cave; puede imaginarse cualquier cosa, si le dicen que lo que va a ver es el desarrollo de esta introducción al film:

Cuando era niño

quería que el riachuelo fuera un río,

el río un torrente y el charco un mar.

Cuando el niño era niño,

no sabía que era un niño.

Todo le parecía lleno de vida,

y todas las almas una sola.

Cuando el niño era niño,

no tenía opiniones sobre nada,

no tenía costumbres.

Se sentaba en el suelo con las piernas cruzadas,

echaba a correr,

tenía un remolino en el pelo,

y no quedaba mal en las fotos.

Podría imaginarse otro tanto pero el resultado es algo inimaginable, totalmente sorprendente.

La trama básicamente consiste en la presencia y tareas de unos ángeles en la ciudad de Berlín. Solo pueden ser vistos por los niños pero sentidos por cualquiera. Esto es explicito en la primera escena, ya espectacular en la que el ángel protagonista contempla la ciudad desde la cima de la Gedächtniskirche o Iglesia del Recuerdo (uno de los íconos de Berlín) y los niños desde abajo le ven y sonríen. Estos ángeles pueden acercarse a los humanos, susurrarles, intentar ayudarles y consolarles, pero no impedir sus acciones. Por ejemplo un suicidio. El ángel protagonista, cansado de ser ángel, quiere experimentar la vida humana y le es concedido, se enamora de una trapecista interpretada por Solveig Dommartin (que nos enamora a todos) y a partir de entonces el color del filme que ha venido siendo blanco y negro (salvo flashes) se convierte en una vida llena de color.

Los pensamientos y preocupaciones que estos ángeles captan de los humanos son tan reales como la vida misma, las reflexiones son profundas y con sentido, las conversaciones a veces son auténticos poemas.

Especialmente el encuentro con Peter Falk en un puesto de hamburguesas, es sobresaliente, intenso y en el mismo se descubre otra faceta importante de esta historia.

La fotografía, los planos y tomas casi en su totalidad son merecedores de colgar en galerías de arte. La última función del humilde circo es magistral de principio a fin, así como especialmente bonita es la de la mujer del hiyab que, sentada y rodeada de maletas en una lavandería, tiene a su lado a un ángel cuya expresión denota que la mujer no tiene consuelo, la escena cambia de color cuando el ángel desaparece mostrando todas las maquinas lavando a pleno rendimiento pero sin gente que las utilice. Las tomas de la ciudad de Berlin, reflejan la personalidad de esta ciudad, tan desastre y tan magnética. Por la concepción general de la obra y su estilo, podría figurar en la corriente Bauhaus.

Esta es una película para saborear, profunda, sus diálogos son tan inteligentes y poéticos, que, casi es preferible verla en subtitulos para captarlos con mas intensidad.

Cuando el niño era niño,

le bastaba con las manzanas y el pan para alimentarse,

y sigue siendo así.

Cuando el niño era niño,

las bayas le caían en la mano sólo como bayas.

Y sigue siendo así.

Las nueces le dejaban la lengua áspera.

Y sigue siendo así.

En cada montaña, anhelaba una montaña mas alta,

y en cada ciudad

anhelaba una ciudad aún mas grande.

Y sigue siendo así.

En lo mas alto del árbol cogía cerezas, entusiasmado.

Y hoy sigue haciéndolo.

Era vergonzoso con los desconocidos.

Y todavía lo es.

Esperaba siempre las primeras nieves.

Y lo sigue haciendo siempre.

Cuando el niño era niño,

lanzó un palo cual lanza contra un árbol,

y aún hoy sigue allí vibrando.

La película acaba en Continuará... Existe una segunda parte rodada por el mismo director en 1993.¡Tan Lejos Tan Cerca! Pero esa es otra historia.

La Vida y Nada Mas... de Abbas Kiarostami

La vida y nada mas...
Título en Inglés: Life and nothing more... o “Life goes on...”

Zendegi va digar hich(1992)

País: Irán

Guión y Director: Abbas Kiarostami

Actores: Farhad Kheradmand, Buba Bayour,Hocine Rifahi

95 min.

La película “La vida y nada más” es la segunda de la Trilogía denominada ‘Rostam-abad’ o ‘Koker’ denominadas así por la zona en la que están rodadas. La trilogía está formada por la anterior Donde está la casa de mi amigo /Khane-ye doust kodjast?/ Where is the Friend’s House? (1987) y por la posterior A través de los olivos / Zire darakhatan zeyton/Through the Olive Trees (1994).

Estamos ante una road movie, rodada con cierto tono de documental, esta película nada tiene que ver con el filme del mismo nombre de Bertrand Tavernier.

El argumento, como ocurre en general con el cine iraní, tiene varias lecturas. El título de la película “La vida y nada más”, se queda corto, en realidad es “La vida y mucho más”...

La trama:

El actor Farhad Kheradmand interpretando al director de la primera película de la trilogía (Donde está la casa de mi amigo), intenta llegar a Koker, la zona donde viven los actores que actuaron a sus órdenes para interesarse por su vida tras un aparatoso terremoto, lleva incluso carteles con fotos para localizarles. Le acompañan, su hijo (Puya) y un destartalado coche. Estos y una carretera llena de obstáculos son los protagonistas principales.

La carretera representa la vida, el coche, posiblemente, el vehículo o el cuerpo con el que todos recorremos esa carretera o vida. El hombre sabe donde quiere llegar pero la carretera se lo impide continuamente, no sabe lo que les espera tras cada recodo y tampoco sabe si el camino que lleva es el correcto, por ello, no para de preguntar al igual que la mayoría de los humanos cuando nos creemos perdidos si vamos por donde debemos. La carretera (la vida) es tortuosa pero no solitaria, está flanqueada por gentes entrañables y solidarias que lo han perdido todo salvo la esperanza, que luchan por salir de la adversidad, por reconstruir sus hogares, por seguir viviendo, por sonreír y mirar la vida de frente sin dejarse intimidar por la desgracia. Estas situaciones vienen plasmadas en planos largos y silenciosos desde dentro y hacia fuera del coche lo que nos sirve para evaluar el desolado paisaje y las consecuencias del terremoto, humanas y materiales; en otros planos no menos largos del protagonista se reflejan en su rostro y expresión la gravedad de todo lo que contempla. Estas imágenes hablan sin necesidad del guión.

El protagonista, recorre esa carretera de la vida, en silencio pero con ganas, con determinación en cumplir la parte que le ha tocado en la tragedia: ayudar y saber de los que con él han trabajado, yendo continuamente de acá para allá en su viejo coche que no siempre responde al reto.

Puya, su hijo simboliza el futuro, la continuidad del padre en el tiempo y que, como niño es preguntón y revoltoso, el pretender encontrar un refresco frío en un puesto entre las ruinas del terremoto denota, inocencia y no percatarse de la gravedad de lo que le rodea quizás por verse amparado y seguro por la figura de su padre, el mayor empeño del chaval es poder ver un partido de fútbol que se retransmite ese día por TV. Que él y muchos otros priorizan sobre el sufrimiento. Como ser espiritual es un pequeño ángel capaz de dar explicaciones, consolar y dar cariño cuando se le presenta la oportunidad.

Los razonamientos del niño son muy tiernos y con mucho fondo especialmente los relativos a la caza de un saltamontes para criarlo y prepararlo para la emigración (que es lo que muchos hemos tenido que hacer con nuestros hijos) porque: “el saltamontes debe emigrar a otro sitio cuando se haya acabado la hierba en el que vive” y el dialogo que mantiene con la lavandera que ha perdido a su hija mayor (buena estudiante), al apuntar a la madre que: “así la niña se libra de hacer sus deberes” o le cuenta la historia de Abraham y el sacrificio de Isaac.

A lo largo de esa carretera o vida se encuentran muchas situaciones: la joven madre en un tupido bosque de troncos y ramas retorcidas son símbolo de la enrevesada situación en la que se encuentra la misma, no necesita mas explicación. Pero la parte en la que posiblemente mas se resume y transmite la filosofía de la película es en el encuentro entre el protagonista y un joven recién casado que busca sus calcetines blancos y se limpia los zapatos entre las ruinas, que no aplazó su boda a pesar de la muerte de 65 de sus familiares y de la anciana que ha quedado sola y que es consciente de su soledad y de sus propios medios para sobrevivir. Juventud y vejez responden al unisono ante la adversidad. Gentes que luchan por poner de nuevo orden en sus vidas, solo con sus manos y que han perdido todo.

Tal que así viene siendo la historia de la humanidad desde siempre, caer y levantarse. No existe otra opción. Toda la obra del hombre resulta destruida pero la naturaleza sigue siempre ahí invitándonos a seguir y la vida, al igual que el plano final de la película, continúa... Siempre con un paso mas allá.